Народный танец в живописи

Танцы в живописи и картины с танцовщицами

Когда человек впервые задумался о том, что переживания, чувства и эмоции можно выражать с помощью жестов и движений, он начал танцевать. Первобытные люди передавали друг другу радости и печали посредством своего тела. Танцем молились, ликовали, гневались, готовились к войне, оплакивали мертвых и встречали новорожденных. А потом взяли в руки уголек и начали все это рисовать сначала на сводах пещер и на березовой коре, а затем на папирусах и бумажных холстах.

Пещерный человек изображал неумелыми и грубыми штрихами преимущественно ритуальные пляски, которые племена выполняли вокруг костров под предводительством шаманов. Как только люди переселились в построенные из дерева и камня жилища, то украсили стены домов картинами. А искусные художники попытались перенести всю красоту и магию танца на бумагу. Получилось ли у них?

Множество рисунков с танцующими женщинами и мужчинами сохранилось на античных амфорах и фресках. Свободные греки и жизнелюбивые римляне изображали человека сильным, уверенным, величественным. В откровенном и естественном танце открывалась людская душа, прекрасная и чистая, и даже физические недостатки или скверный нрав не могли испортить эту красоту.

Постепенно человек погружался в суровую реальность религиозного средневековья. С подачи церковников даже самые невинные и неприхотливые танцевальные движения стали трактовать как дьявольскую пляску тела, попавшего под вредное влияние темных сил. Поэтому на несколько столетий танцевальная тема попала под запрет, ведь никто не хотел сгореть заживо на костре инквизиции.

Зато с приходом эпохи Возрождения художники постепенно стали выходить из оцепенения. Несмелыми были первые попытки изобразить танец, но посмотрите, как прекрасны «Три грации», которые Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli) вписал в картину «Весна». Легки и невесомы, невероятно грациозны и очаровательны эти девушки.

В XV-XIX веках редко рисовали профессиональных танцоров, но было несколько персон, заслуживших внимание живописцев. Например, Никола Ланкре (Nicolas Lancret) на картине «Танцовщица Камарго» изобразил Мари-Анн Кюпи де Камарго (Marie-Anne Cupis de Camargo), одну из самых образованных и смелых женщин XVIII столетия. Она укоротила юбку, придумала новые балетные приемы и часто танцевала на сцене без панталон.

На столетие раньше Никола Пуссен (Nicolas Poussin) изобразил «Танец под музыку времени», отправив зрителя в античность. И поэтому вполне логично, что его герои более свободны, эмоциональны и раскрепощены, чем реформаторская танцовщица Камарго.

С появлением импрессионистов полностью преобразилось живописное искусство и вместе с ним изменилось отношение к танцу. В поисках новых форм отображения света, тепла, ветра и запаха художники расширили границы восприятия мира и почти поймали танец в рамки картины. Именно тогда мир увидел хрупких балерин Эдгара Дега (Edgar Degas), насладился изящными танцами на полотнах Ренуара (Pierre-Auguste Renoir).

Но самым знаковым и эмоциональным стал «Танец» Анри Матисса (Henri Matisse). Посмотрите на этих красных обнаженных женщин, влившихся в одно целое с природой — ярко-синим небом, насыщенно зеленой травой. Человек неизбежно возвращается к своим первобытным истокам, сколько бы цивилизационных слоев на нем не было. И мы опять вспоминаем о ритуальных танцах первобытного человека, нацарапанного угольком на каменной стене.

Танцевальные картины всегда можно купить на торгах, которые проводят известные аукционные дома. В каталогах сайта Very Important Lot вы сможете найти яркое и интересное полотно современного художника или известного живописца прошлых столетий, и пополнить свою коллекцию еще одним произведением искусства.

Источник

29 апреля — Международный день танца. Вспоминаем полотна известных русских художников, связанные с этим видом искусства.

АЛЕКСЕЙ САВРАСОВ. «ХОРОВОД В СЕЛЕ»

Алексей Саврасов. Хоровод в селе. 1873–1874. Государственная Третьяковская галерея

Исаак Левитан, художник

ФИЛИПП МАЛЯВИН. «ВИХРЬ»

Филипп Малявин. Вихрь. 1906. Государственная Третьяковская галерея

Сергей Глаголь, критик

ИВАН РЕПИН. «ГОПАК» («ПЛЯСКА ЗАПОРОЖЦЕВ»)

Илья Репин. Гопак (Пляска запорожцев). 1927. Частное собрание

КАРЛ БРЮЛЛОВ. «ДЕВУШКА, СОБИРАЮЩАЯ ВИНОГРАД В ОКРЕСТНОСТЯХ НЕАПОЛЯ»

Карл Брюллов. Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя. 1927. Государственный Русский музей

ЗИНАИДА СЕРЕБРЯКОВА. «БАЛЕТНАЯ УБОРНАЯ. СНЕЖИНКИ»

Зинаида Серебрякова. Балетная уборная. Снежинки. 1923. Государственный Русский музей

29 апреля — Международный день танца. Вспоминаем полотна известных русских художников, связанные с этим видом искусства.

АЛЕКСЕЙ САВРАСОВ. «ХОРОВОД В СЕЛЕ»

Алексей Саврасов. Хоровод в селе. 1873–1874. Государственная Третьяковская галерея

Художник Алексей Саврасов — известный мастер пейзажа. Как говорил его ученик Исаак Левитан, Саврасов испытывал «бесконечную любовь к своей родной земле». Но не на всех своих полотнах он изображал изменчивую природу. В 1874 году художник написал работу «Хоровод в селе».

Алексей Саврасов запечатлел на полотне шумное деревенское гулянье в теплый летний день. На солнечной лужайке собрались жители деревни, одетые в нарядную праздничную одежду. В центре композиции — крестьяне в процессе «хождения за солнцем». Раньше так называли хоровод — самый древний и самый распространенный в русских селениях танец.

Исаак Левитан, художник

ФИЛИПП МАЛЯВИН. «ВИХРЬ»

Филипп Малявин. Вихрь. 1906. Государственная Третьяковская галерея

Русские крестьянки были излюбленным мотивом творчества художника-импрессиониста Филиппа Малявина. В 1906 году он представил публике полотно «Вихрь», на котором женщины в развевающихся пронзительно-ярких сарафанах кружатся в танце.

Фигуры пляшущих крестьянок занимают собой все пространство холста, однако к такому композиционному решению Малявин пришел не сразу. На первоначальном эскизе персонажи картины изображены на фоне деревенского пейзажа, а зритель смотрел на пляску будто бы сверху. В итоговом варианте художник «приблизился» к фигурам и сделал их более монументальными. Полотно создано в присущем Малявину декоративном стиле: тонко выписанные лица, одновременно размашистая манера живописи, чистые цвета, хотя в начале ХХ века художники не использовали таких ярких оттенков. «Вихрь» и шокировал, и восхищал зрителей.

Сергей Глаголь, критик

ИВАН РЕПИН. «ГОПАК» («ПЛЯСКА ЗАПОРОЖЦЕВ»)

Илья Репин. Гопак (Пляска запорожцев). 1927. Частное собрание

Полотно «Гопак» стало последней картиной русского живописца Ильи Репина. Художник начал ее в 1927 году и работал несколько лет. Здоровье Репина было уже подорвано, писать ему было тяжело.

В эти годы художник жил в бедности, не было денег даже на холст, а последний его замысел требовал большого пространства. «Гопак» Репин писал на огромном куске линолеума — на готовой картине под слоем краски кое-где заметен его узор.

Живописный танец казаков художник посвятил памяти своего друга и любимого композитора Модеста Мусоргского. Главный персонаж полотна — запорожец в ярком кафтане с золотыми узорами. Разудалые пляски, прыжки через костер, игра на бандуре — веселье казаков Илья Репин изобразил яркими красками и размашистыми мазками. Однако он старательно выписал детали праздничных казацких нарядов — узорчатые яркие кафтаны. Сам художник называл свою картину «красивой и веселой».

КАРЛ БРЮЛЛОВ. «ДЕВУШКА, СОБИРАЮЩАЯ ВИНОГРАД В ОКРЕСТНОСТЯХ НЕАПОЛЯ»

Карл Брюллов. Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя. 1927. Государственный Русский музей

В одном из итальянских двориков он увидел сцену из сельской жизни, которую позже представил на своем полотне как яркий балетный спектакль. В центре его картины «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя» — юная крестьянка, которая тянется за гроздью спелых ягод. Брюллов изобразил свою героиню как статную артистку, застывшую в танцевальном па: девушка поднялась на полупальцы, изящно раскинула руки и слегка прогнулась в спине. Кажется, что она танцует под звуки бубна, на котором играет вторая героиня, отдыхающая после сбора урожая.

ЗИНАИДА СЕРЕБРЯКОВА. «БАЛЕТНАЯ УБОРНАЯ. СНЕЖИНКИ»

Зинаида Серебрякова. Балетная уборная. Снежинки. 1923. Государственный Русский музей

Художница Зинаида Серебрякова в своих работах не изображала сам танец — она показывала зрителю закулисье. Как вспоминала дочь художницы Татьяна Серебрякова, ее мать получила разрешение бывать за кулисами театра по средам и воскресеньям — в дни балетных спектаклей. Там она наблюдала за гримирующимися артистками, знакомилась с ними и делала наброски будущих картин. А позже писала балерин, которые преображаются перед спектаклем и готовятся выйти на сцену.

Работу «Балетная уборная. Снежинки» Серебрякова написала в 1923 году. Юные артистки на полотне готовятся к «Танцу снежинок» из балета Чайковского «Щелкунчик». Одна надевает пуанты, другая поправляет лямку на плече, поглядывая на зрителя, будто в зеркало. На дальнем плане девушка собирает волосы в сценическую прическу. На лицах танцовщиц легкая улыбка — кажется, что именно в этот момент они перевоплощаются. Улыбчивыми, кокетливыми и грациозными Зинаида Серебрякова писала своих героинь на всех полотнах балетной серии.

Автор: Алина Ступакова

Добавлено в живопись

Также от www.culture.ru

Embed

Пожаловаться

Также от живопись

Также от www.culture.ru

Реклама

Похожие посты

Смотрите, это работа Джованны Гарцони из города А́сколи-Пиче́но.

Рисунок из 17 века:

Я просто остолбенела от такой красоты, когда ее увидела.

Там ее привечает местная научная Академия за удивительную точность ее иллюстраций.

Потом она еще побывает в Турине, Тоскане, Париже, Флоренции и на нее обратят внимание Медичи.

А еще у Джованны Гарцони были какие-то интересные отношения с художественной Академия святого Луки в Риме. Вроде как она в ней не состояла (по крайней мере нет ни одного документа, подтверждающего это), но сотрудничала с художниками из нее и еще и спонсировала некоторые затеи. А потом завещала Академии свои работы, при условии, что будет похоронена в церкви Святых Луки и Мартины при этой самой Академии. Условия выполнили и сейчас там есть мемориал художницы.

А вот потрет самой Джованны кисти Джузеппе Гецци:

Замечательнейшая дама, просто чудо.

«> Восхитительная ботаника. Картины художницы 17 века

Предчувствие любовного свидания — скучная и избитая тема, решил Рембрандт, все женщины в этот момент одинаковы. А вот после свидания… После в них можно разглядеть что-то интересное и настоящее

Как показала рентгеновская съемка, вначале лицо царевны было похоже на лицо Саскии — супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс — любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

На первом варианте «Данаи» рука царевны была опущена вниз, как будто царевна зовет любовника, проникшего к ней в чертог. Сейчас же мы видим руку, застывшую в прощальном жесте, — Даная прощается с возлюбленным.

— так художник обозначил присутствие Зевса на картине.

Рембрандт изобразил бога любви плачущим в знак того, что любовь Зевса к Данае была скоротечна. Напрасно царевна ждала и тосковала по любовнику — царь Олимпа к ней не вернулся.

5 БЕЛАЯ НЕСМЯТАЯ ПОСТЕЛЬ

Символизирует непорочность Данаи. С эпохи Возрождения в греческой царевне видели прообраз Девы Марии: Даная якобы тоже зачала мистическим образом, без потери девственности.

6 ЖЕМЧУЖНЫЙ БРАСЛЕТ

Жемчуг считался украшением богини любви Венеры.

7 БРАСЛЕТ С КОРАЛЛАМИ

На руке царевны указывает на будущего сына Данаи — Персея, которого она родит от Зевса. Коралл был символом победителя горгоны Медузы: по легенде, он образовался из крови обезглавленного Персеем монстра.

8 ИЗУМРУДНОЕ КОЛЬЦО

— еще один символ невинности, а также мистического обручения смертной женщины с божеством.

Символизируют женскую покорность.
10 ОРЛИНЫЕ ГОЛОВЫ

На ножках кровати. Орел считался спутником и символом Зевса.

Выполняла в истории с Данаей роль сводни. Она показала Зевсу путь в спальню госпожи, за что и была казнена царем Акрисием. На голове у служанки не положенный чепец, а темный бархатный берет. Это навело французского искусствоведа Поля Декарга на мысль, что в образе прислуги-сводни Рембрандт изобразил себя (на автопортретах он часто в берете).

В руках служанки — это и указание на непосредственные обязанности дворни, ведущей хозяйство, и одновременно символ мужского начала (как замок символ женского) — еще один намек на сводничество.

«> КАРТИНА С ТАЙНЫМИ СМЫСЛАМИ

«Черный огонь 1»

Продана за 84,1 млн долларов в 2014 г. Барнетт Ньюман, 1961

«Триптих»

Продана за 86 млн долларов в 2008 г. Фрэнсис Бэкон, 1976

«Оранжевый, красный, желтый»

Продана за 86,8 млн долларов в 2012 г. Марк Ротко, 1961

«Портрет Адели Блох-Бауэр II»

Продана за 87,9 млн долларов в 2006 г. Густав Климт, 1912

«Дора Маар с кошкой»

Продана за 95,2 млн долларов в 2006 г. Пабло Пикассо, 1941

«Восемь Элвисов»

Продана за 100 млн долларов в 2008 г. Энди Уорхол, 1963

«Мальчик с трубкой»

Продана за 104,1 млн долларов в 2004 г. Пабло Пикассо, 1905

«Авария серебряной машины»

Продана за 105,4 млн долларов в 2013 г. Энди Уорхол, 1963

«Свет Анны»

Продана за 105,7 млн долларов в 2013 г. Барнетт Ньюман, 1968

«Обнаженная, зеленые листья и бюст»

Продана за 106,4 млн долларов в 2010 г. Пабло Пикассо, 1932

«Флаг»

Продана за 110 млн долларов в 2010 г. Джаспер Джонс, 1932

«Крик»

Продана за 119,9 млн долларов в 2012 г. Эдвард Мунк, 1895

«Портрет Адели Блох-Бауэр»

Продана за 135 млн долларов в 2006 г. Густав Климт, 1907

«Женщина III»

Продана за 137,5 млн долларов в 2006 г. Виллем де Кунинг, 1953

Продана за 140 млн долларов в 2006 г. Джексон Поллок, 1948

«Три наброска к портрету Люсьена Фрейда»

Продана за 142,4 млн долларов в 2013 г. Фрэнсис Бэкон, 1969

Продана за 148 млн долларов в 1997 г. Пабло Пикассо, 1932

Алжирские женщины

Продана за 179,3 млн долларов в 2015 г. Пабло Пикассо, 1955

«Игроки в карты»

Продана за 250 млн долларов в 2012 г. Поль Сезанн, 1892-1893

«Когда свадьба?»

Продана за 300 млн долларов в 2015 г. Поль Гоген, 1892

«> 300 млн. долларов, висящие на стене в рамке. Вольное продолжение темы «Малевичу и не снилось..»

«> Разоблачение современного искусства

1 – Агентство само вас найдет.

Это вполне возможно, если у вас есть достойное присутствие в интернете. Что я называю достойным присутствием? Наличие качественного простого и понятного сайта (желательно на английском), возможно блога (на любом языке), и активное творческое шевеление в соц сетях типа Facebook и Instagram. Ваших картинок онлайн должно быть много! И они должны быть классные! Все агентства, с которыми мне приходилось работать, нашли меня сами.

2 – Активно ищете в сети.

Забиваете в поисковик Google – слова Illustration Agency. Их масса. Обратите внимание, что они специализируются на разных направлениях (журнальная иллюстрация, реклама, комиксы, мода, детская книжная иллюстрация). Вы должны выбрать “правильное” агенство для себя. А желательно выберите с десяток, и напишите ВСЕМ! (О письме чуть позже).

Обратите внимание на то, сколько у них художников в штате, и каких художников (стилистически) они представляют. Ваш стиль не должен слишком драматически выбиваться из общей базы, скорее он должен гармонично ее дополнять. Допустим, если Агентство специализируется на симпатичных детских картинках, а вы рисуете жесткий гротеск, то, скорее всего, вы им не подойдете.

Если у них в штате уже есть художник, который по стилю очень похож на вас – так же не стоит рассматривать это Агентство как первый выбор, потому что сначала они будут обеспечивать работой уже имеющегося художника, а потом уже вас, если что-то останется.

Чем больше художников в штате – тем крупнее агентство, и тем шире его международное покрытие с возможными офисами по всему миру. Это значит – больше заказов от самых разных клиентов. НО! Это так же значит менее персональный подход, более дешевые заказы. Они берут количеством больше, чем качеством. Вы – винтик в большой системе. Мало художников в штате – более скромное покрытие. Меньше заказов, но от более стабильных и престижных клиентов. Более личные доверительные отношения с агентом.

3 – Если у вас есть возможность, купите эту книгу

Там есть все, что вам может пригодиться – списки агентств, издательств, конкурсов, все явки и пароли, плюс куча полезных статей от разных специалистов в индустрии детской книги. Это – настольная книга иллюстратора, который серьезно хочет пробиться на международный рынок.

4 – Очень внимательно читайте контракт и условия сотрудничества.

У каждого агенства свои фишки, многие из которых не в вашу пользу. Внимательно читайте, какой процент от вашей прибыли будет принадлежать агентству, сможете ли вы самостоятельно искать клиентов и работать с ними напрямую, сможете ли вы быть представлены другим агенством, допустим, в другой стране. Как быстро агентство обязуется выплачивать гонорар, как легко или сложно разорвать контракт, при каких условиях его можно разорвать. Это все серьезные вопросы. Так что все легальные и технические нюансы стоит тщательно изучить перед тем, как окончательно определиться со своим выбором.

Представим, что вы выбрали свои 10 возможных арт агентств. Что дальше? А дальше вы им пишете письмо! Разумеется на английском.

Как писать письмо в Арт Агентство?

Я очень подробно рассказываю в лекции:
ПОРТФОЛИО ИЛЛЮСТРАТОРА. КАК ПОКАЗАТЬ СВОЙ ТАЛАНТ.

Все содержание письма не должно превышать половины листа А4. Если агент, глядя на монитор, не видит, где ваше письмо заканчивается, он не станет его читать. Будьте максимально лаконичны и содержательны. Теплый тон приветствуется, а вот фамильярность – нет. В английском языке есть определенные правила написания делового письма. О вашей профессиональности будут судить в том числе и по качеству вашего письма.

Помните, что письма, на подобие вашего, приходят в агентства каждый день в приличном количестве, поэтому постарайтесь выделиться на общем фоне не только своими рисунками, но и качественной их подачей.

А я желаю вам всяческих успехов в поисках своего идеального Арт Агента! Если у вас остались какие-то вопросы по теме – пишите в комментариях. Буду рада помочь.

Смело делитесь ссылкой на эту статью в своих соц сетях! Эту информацию не так просто найти, так что давайте вместе распространять полезные знания.

И напоминание: осталось 3 дня до закрытия огромнейших скидок на все мои видео-лекции по Иллюстрации. Мы сделали их специально максимально доступными для каждого перед запуском Марафона ДЕНЬ КРОКОДИЛА. И сейчас у вас есть возможность хорошо подготовиться, напитаться новыми знаниями и вдохновением. Выбирайте темы, по которым у вас возникает больше всего вопросов и постарайтесь пройти их до старта марафона:

В подарок вы получите мою Авторскую Азбуку, которую мы рисовали на предыдущем Дне Крокодила. И доступ ко всем видео-урокам у вас сохранится навсегда. Вы сможете пересматривать необходимую информацию в любое время.

Успехов вам в Иллюстрации! И пусть всё получится!

«> Есть ли у вас шанс? Или Как искать и контактировать АРТ АГЕНТСТВА. 2 часть

С этим портретом связана интересная тайна и скрытый смысл, причем неожиданный.

Авторское название картины «Автопортрет в шестую годовщину брака».
Казалось бы, все почти прозрачно: картина является праздничным знаком, мол, у художницы все хорошо в личной жизни, и вот на шестую годовщину свадьбы Господь послал ей приплод, и вот это двойное счастливое событие она отмечает своей картиной, отмечая радость материнства.

Однако ж все не так, особенно если сопоставить даты.

Да, 25 мая была годовщина ее свадьбы. Однако 23 февраля она ушла от мужа, который не одобрял ее художественные поиски, и уехала в Париж, чтобы писать так, как ей нравится.

Искусствовед Сью Хаббард предположила, что ее беременность на картине можно считать метафорической. Модерзон-Беккер представляет здесь себя в «плодородном» периоде своей творческой карьеры, готовая к творчеству, свободному от оков удушающего брака.

Художница она действительно хорошая и интересная.

В сентябре она сообщила мужу, что собирается подать на развод.
Он вместо этого приехал в Париж и снял квартиру на той же улице
Весной она вернулась к нему и они вместе уехали домой, в Германию.
Она наконец забеременела.

2 ноября 1907 года она родила дочь. Спустя пару недель художница умерла от эмболии. Ей было всего 31 год.

Это еще один вариант ответа на вопрос «Почему мы знаем так мало великих женщин-художников».

«> Paula Modersohn-Becker

10 самых дорогих ныне живущих художников
По свидетельству немецкого журнала об искусстве Monopol [2], представленные ниже работы являются на сегодняшний день самыми дорогими в мире. Можно долго спорить об их качестве, возмущаться или удивляться, но одно на сегодняшний день остаётся бесспорным. В мире искусства тоже есть свои поп-звёзды, и с каждой покупкой приобретается не только работа сама по себе.

Как обычно, в списке нет ни одного женского имени. Многие критики объясняют это тем, что подобные колоссальные суммы за искусство выкладывают в основном мужчины. Причём те, которые доверяют росту мужского художественного имени в разы больше. Однако речь только о догадках, почему так. Прошу принять к сведению.

Что эти цены означают для художника?
Когда видишь цены на произведения современных художников, язык не поворачивается говорить о судьбе вечно бедного и голодного творческого человека. Но что означают эти цифры? Какой процент с продажи своих работ получают художники?

Работа Клода Моне «Cтога» 1897 года ушла 14 мая 2019 года на вечернем аукционе Sotheby’s за 110,7 миллионов USD в коллекцию немецкого предпринимателя. [7]

С другой стороны, что делать, если работа упала в цене или совсем не продалась? Тогда другие работы художника больше никто не будет покупать, он упадёт в рейтинге, а вероятность того, что его имя в скором времени благополучно забудут, сильно возрастёт.

Но если со временем всё равно оказывается так, что работы художников Gagosian Gallery попадают на аукционы, у самого Лэрри столько денег, что он или его представители всегда сидят в зале аукционов, чтобы в любой момент перебить плохое предложение и накрутить цену. Такая вот стратегия защиты своего состояния от возможных потерь.[3]

Единственным художником в истории аукционных домов, который получил в полном размере сумму с продажи своих работ на аукционе, был британец Демьен Хёрст (англ. Damien Hirst, * 1965). На тот момент его имя уже гремело настолько, а вера в рост цен на его работы была столь сильной, что художник напрямую обратился к аукционаторам и пустил с молотка весь инвентарь своего лондонского ресторана Pharmacy. Продажи составили более 20 млн.USD, а другие его работы, находившиеся в частных коллекциях, достигли позже новых рекордов продаж. [3]

Лондонский ресторан художника Демьена Хёрста «Pharmacy» [9]

Так что мотаем на ус, уважаемые коллеги.

«> 10 самых дорогих ныне живущих художников

Источник